piano préparé, 2014, “If your are so smart, why you ain’t rich?”, Official Parallel Project of the Marrakech Biennale 2014

detail

Tal Isaac Hadad präsentiert ‘piano préparé’ (gebrauchsfertiges Piano) eine Installation,die zwei charakteristische Bereiche verbinden will: Boxen und Klavierspielen. Die Skulptur reflektiert die von Kurtág’s ‘Játékok’ entworfene kinetische Erfahrung; der Körper als eine Form von Intelligenz, der durch die Musik lebt und Musik, die durch den Körper lebt. Das Werk transformiert den Körper in eine andere Rolle um neue musikalische Ideen auszudrücken und hervorzubringen. Der Flügel wird mit dem Attribut des schweren Boxsacks belegt, somit überträgt das Werk die zeitgenössische musikalische Tradition des gebrauchstfertigen Flügels in eine andere Ära.

Tal Isaac Hadad ist ein französischer Künstler. Er lebt und arbeitet in Paris. Tal Isaac Hadad widmet sich der Adaption von Soundquellen, ob in ihrer gängigsten oder geschicktesten Form. Seine Herangehensweise, die häufig die intensive Beobachtung der Musikszene beinhaltet oder die Art und Weise wie Sound sich im öffentlichen Raum verhält, ist angelehnt an die eines Musikethnologen. Der Künstler treibt seine Recherche durch Feldforschung voran. Anders als ein Researcher allerdings, versucht er die sozialen Gruppen, in die er eintritt, zur Teilnahme an einem Projekt zu motivieren und dies zu fördern. Nebst anderen Künstlern nahm er an der Venedig Biennale für Archtiektur 2010 teil; Get it Louder 2012, Peking, FIAC 2012 im Grand-Palais, Paris und der Istanbul Biennale 2013.

and who sees the mystery, 2014 Paul Bowles Kollektion traditioneller marokkanischer Musik, die von Washington bis nach Tanger reicht, folgend, haben sich der Performer Zouheir Atbane und der schweizer Sound-Künstler Gilles Aubry 2010 zusammengeschlossen um die Rezeption dieser Aufnahmen im heutigen Marrokko im Bezug auf zeitgenössische Diskurse über kulturelle Erhaltung auf künstlerischer Ebene zu recherchieren. Das erste Ergebnis dieses Projektes ist die Sound Installation “and who sees the mystery”, welche sie während ihres Aufenthalts in Tafraout kreierten, einem Dorf in dem Paul Bowles Ahouache–Musik aus dem Jahr 1959 aufgenommen hat.

In Zusammenarbeit mit Mitgliedern des lokalen Musikensembles und anderen Bewohnern, präsentieren die Künstler eine performative Interpretation der Rückkehr dieser Aufnahmen zu ihrem ursprünglichen Ort, einschließlich einer Dokumentation von Diskussionen, Hör- Stunden und Proben. Ihre Arbeit setzt sich mit dem Thema der Unsichtbarkeit auseinander indem Übereinstimmungen zwischen Paul Bowles als ‘unsichtbarer Zuschauer’, dem Schleier als Mittel des Widerstands gegen den Kolonialismus der Frauen des Addal Musikensembles und dem pythagoreischen Vorhang akusmatischer französischer Musik geschaffen werden.

Gilles Aubry ist ein schweizer Klangkünstler und lebt seit 2002 in Berlin. Ursprünglich gelernter Musiker und Komponist, schloß er sein Mastertudium in Sound Studies 2010 an der Universität der Künste in Berlin ab. Seine künstlerische Praxis basiert auf einem auditiven Ansatz der Realität, auf Grund von Recherchearbeiten im Bezug auf kulturelle und historische Aspekte der Klang-produktion und –rezeption. 2011 wurde Aubry als Gastkünstler zum Global Prayers Projekt geladen. Die daraus entstandene Installationen Pluie de Feu und The Laman Encounter wurden ebenfalls 2011 in der NGBK Galerie in Berlin präsentiert. Seine gegenwärtigen Projekte schließen eine Recherche der Paul Bowles Archive traditioneller marokkanischer Musik ein und die Ansicht kultureller Erhaltung, sowie ein Projekt mit Bezugnahme auf die “Bollywood Soundscapes” in Mumbai.

Zouheir Atbane, geboren 1983 in Casablanca, ist zeitgenössischer Tänzer und Soundkünstler. Nach seinem Studium der Gnawa-musik, hat sich Zouheirs künstlerisches Feld durch zahlreiche Kollaborationen mit dem in Casablanca sitzenden Tanzensembles 2k_far und anderen Künstlern enorm vergrößert. Er arbeitet als freiberuflicher Klangkünstler.

Crackling Data Machine, 2014

“We are in the epoch of simultaneity: we are in the epoch of juxtaposition, the epoch of the near and far, of the side-by-side, of the dispersed. We are at a moment. I believe, when our experience of the world is less that of a long life developing through time than that of a network that connects points and intersects with its own skein.”

Michel Foucault, Of Other Spaces: Utopias and Heterotopias.

Crackling Data Machine, installation view at ESAV Marrakech, Official Parallel Project Marrakech Biennale 2014

Wegen der Konzepte der Netzwerke befinden wir uns in einer Epoche der totalen Überwachung, Informations-überschuss und überdrehten ökonomischen Wetten. Wir möchten diese Realität mit unseren absurden DIY-Experimenten und künstlerischem Hacking konfrontieren. Wir untersuchen das Potenzial des Internets, durch Verwendung der eigenen fragwürdigen Techniken des Netzes, eigenständig bestimmte Bilder und Sounds zu produzieren. Schon immer war Sound ausschlaggebend für das Internet. In Zeiten des Modems wurden Daten via Sound-signalen übertragen und immernoch sind Daten Wellen, die uns als elektromagnetische Felder umgeben oder rythmisch als Lichtsequenzen übertragen werden. Wir klangifizieren die unsichtbaren Melodien und Rythmen der Daten und machen sie somit erfahrbar. Um das zu erreichen, haben wir eine Maschine kreiert, welche von Daten bedingt wird.

Die Installation besteht aus drei unterschiedlichen Aspekten: Sie sammelt Daten aus ihrem Umfeld und macht diese sichtbar, hörbar und greifbar. Sie hat eine spezifische Form und Akustik, die mit ihrer Umgebung interagiert. Sie hat eine visuelle und eine Audioausgabe; die transformierten Daten werden von unserem DIY-Apparat ausgedruckt und als Sound mithilfe von klanglicher Repräsentation übertragen. – Ali Tnani and Lukas Truniger

Video documentation of the installation at ESAV Marrakech, Official Parallel Project of Marrakech Biennale 5

Lukas Truniger ist ein schweizer Musiker, Sound Designer und Sound-Künstler. 1986 in Zürich geboren, studiert er seit 2008 am Institut für Musik und Medien an der Robert Schumann Schule für Musik und Medien in Düsseldorf. Er arbeitet im Bereich live Musik, Installationen, Filmmusik und der Kreation neuer Instrumente. Charakteristiken seiner Arbeiten sind die Veränderungen zwischen verschiedenen Welten und der Ehrgeiz diese zu konfrontieren, kombinieren, durcheinanderbringen und neu zu arrangieren: experimentelle Musik und Clubzusammenhang, DIY und Vorgefertigtes, Klang und Bild, zeitgenössisch und klassisch, Umgebung und Mittelpunkt, Feldaufnahmen und digitale Soundgeneration.Fasziniert von selbstgemachten Codes und Kreisläufen, gehackten Instrumenten, falsch gebrauchten Werkzeugen, Netzwerkprozessen und –konzepten von Multidimensionismus; diese Komponenten wurden entscheidend für seine Arbeit.

Ali Tnani (*1982, Tunesien) lebt und arbeitet in Tunis und Paris als Multimedia Künstler. Fotografie, Zeichnungen und Soundinstallationen sind seine Hauptarbeitsmittel. Sein Interesse liegt bei Überresten, Orte und Fehler. A.T. hat seine Arbeiten in Soloshows in Tunis, 2013, Paris, 2012 ausgestellt und war Teil von Gruppenausstellungen im National Museum of Carthage (2012, TU) als auch bei Fastivals wie dem City sonic im Museum of fine arts in Mons (2010, BE). Er hat am Higher Institute of Fine Arts in Tunis studiert und hat an digital arts workshops teilgenommen. Seine Künstleraufenthalte beinhalten das Cité Internationale des arts in Paris (F), Transcultures (BE) und Villa Sebastian (TN). 2013 erhielt er die Visual Arts Subvention von der arabischen Stiftung für Kunst und Kultur AFAC (LB). Eine Auswahl seiner Arbeiten wurden herausgegeben im Musiques & Cultures Digitales (MCD) #71, Digitale Afrique, (FR), 2013 und im Art Tunis Paris Katalog, Edition du Musée Montparnasse, (FR), 2011.

Caroussa Sonore, 2014

Carroussa Sonore – Rabat from Younes Baba-Ali on Vimeo.

Ein Projekt, welches Klangkunst im öffentlichen Raum ausstrahlt. Sound Installation Rabat 2012 Ursprünglich war das „Caroussa“ ein Objekt mit einer bestimmten Funktion: Zum Verkauf wurden Koranverse als CD’s in den Straßen angeboten. Wir setzen uns hier mit einer Art religösen Marketings auseinander, ausgehend von der Annahme, dass Klang sowohl oral als auch musikalisch interaktives Material ist, welches physischen Raum festlegt. Davon ausgehend halten wir nicht unsere Augen, doch aber unsere Ohren weit offen für Informationen, wobei uns manchmal die kritische Distanz fehlt. Carroussa Sonore ist ein kuratorisches und künstlerisches Projekt von Younes Baba Ali; seine Annahme wird Bewusstsein. Mit einem Wagen, der aus recyceltem Material besteht und ausgestattet ist mit der Batterie eines Plattenspielers, einem Verstärker, und Lautsprechern, behält das „Caroussa“ zwar sein ursprüngliches Äußeres und seine Funktion, präsentiert aber ein Panorama zeitgenössischen Sounddesigns, in Anlehnung an den Kontext, und wird somit ein Weg das Bewusstsein des Zuhörens zu steigern. In einer Gesellschaft, die von visueller Sättigung geprägt ist, bietet Caroussa Sonore eine andere Zeit, ein bewegendes und kurzlebiges ästhetisches Erlebnis. Bei jedem mal Zuhören zeichnet das Caroussa durch den Sound eine neue Kartographie der Stadt. Künstler : Zouheir Atbane, Gaël Segalen, Blenno die wurstbrucke, Raphaël Charpentié, Younes Atbane, Simohammed Fettaka, Anna Raimondo, Giancarlo Norese, Younes Baba-Ali, Youssef Ouchra, Kyop Jeong, Simohammed Laouli, Rohan Graeffly, Angus Carlyle, Stefano Giannotti. Televendita HD video 16/9 Lenght : 29’25” Courtesy of the artist and FAMA Gallery (It) Televendita from Younes Baba-Ali on Vimeo.

Televendita ist eine Kollaboration mit Alessandro Orlando, dem berühmtesten italienischen Fernseh- Kunstverkäufer. Das Video besteht aus dem Verkauf ausgewählter Werke Baba Alis, wobei Orlando den Betrachter bittet teilzunehmen, in der Show anzurufen und die Werke zu kaufen. Die typische Sprache der Fernseh- Verkaufsshows nutzend, weist dieses Projekt mit einen ironischen Blick auf die komplexe Beziehung von Kunst und Markt hin.

Younes Baba-Ali, geboren 1986 in Oujda, Marokko, lebt und arbeitet in Brüssel und Casablanca. Nach der Absolvierung seines Studiums an der School of Decorative Arts in Strasbourg 2008, hat er an diversen internationalen Ausstellungen und Biennalen teilgenommen. Unter anderem an der Marrakesch Biennale ‘AIM’, der Biennale Skopje BJCEM, Macedonien, Sketch Gallery, London; “FIAV 09″, Catania, Sizilien, “Brick & Mortar International Video Art Festival”, Greenfield, USA; Espacio Menos Uno, Madrid, Loop Video Art Festival, Barcelona; Interference, Breda; CEAAC, Strasbourg, In-Sonora Sound Art Festival, Madrid und La Galerie du Syndicat Potentiel, Strasbourg.

In Duk Hee Jordans Steinarbeiten thematisiert und kritisiert sie das Thema Schuld und Gedächtnis. Eine ihrer letzten Stein-Installationen stammt aus Kandahār. Sie stehen als Zeugen des noch vorhandenen Afghanistan Konflikts. Ursprünglich stammen die Steine aus KAF (Kandahar Air Field), die US-Militärbasis in Afghanistan.

Stones from Kandahar (Taliban last Stand) – Installation view at ESAV, Official Parallel Project Marrakech Biennale 5

KAF ist nicht Afghanistan, es gilt als amerikanisches Land, das letzte Refugium, in dem die letzte große Schlacht der Taliban stattfand. Eben diese Steine stehen als Zeugen und zeigen die Torheiten der Vergangenheit bis ins Jetzt auf. Sie tragen die Geschichte Afghanistans in sich. Unabhängig von der lokalen Gebundenheit, ruft die Arbeit Assoziationen von Vergänglichkeit und Zerstörung hervor. Als letzte Spuren stehen diese Fundstücke für etwas, das war und nun unwiederbringlich verloren ist. Verstärkt werden diese Assoziationen durch den mechanischen Prozess der Installation: die Steine werden in einer asymmetrischen und mechanischen Choreographie aneinander abgerieben, der entstehende Staub ist, eine Brücke der Wahrnehmung, ein Symbol eines langen Prozesses.

Obsidian from anne duk hee jordan on Vimeo. Obsidian , 2014

Obsidian (2014), Installation view at ESAV, Official Parallel Project Marrakech Biennale 5

Mit ihrer Performance “Atlas” zur Marrakesch Biennale 2014, arbeitet Duk Hee Jordan mit der symbolischen Bedeutung von Steinen und deren geografischer Herkunft und verbreiteten Mythen. Die Ruinen von mehreren alten Kulturen – wie Stonehenge, den Osterinseln, die Pyramiden etc. – zeigen, dass massive Steine verwendet wurden, um „Denkmäler“ zu bauen. Man kann sich fragen, warum sie Steinblöcke von so enormer Größe und Gewicht verwendeten, wenn man die gleichen Strukturen mit leichteren und kleineren Blöcken bauen hätte können wahrscheinlich um gleichzeitig ein nahezu schwer unvergängliches und bedeutungsschweres Monument zu schaffen. Es wird gesagt, dass „die Alten“ ein Verfahren zum anheben und bewegen dieser massiven Steine entwickelt hätten, das so einfach gewesen wäre, wie das anheben eines zwei Pfund schweren Ziegels. Einige Forscher vermuten, sie hätten die Kunst der Levitation durch akustischen Schall oder andere obskure Methoden gemeistert. Durch diese Methode konnten sie die Schwerkraft manipulieren.

Performance ATLAS (2014)

So versuche ich mit meiner Performance eine Synthese zu schaffen zwischen den alten Mythen, denen ich in einer neuzeitlichen technischen Form – hier dem Kran – zu folgen versuche und dem für mich in den Steinen symbolisierten kulturellen Gedächtnis. Ein massiver Findling (ca. 1.50m x 1.50m) aus dem Atlas Gebirge wird mit einem Kran hochgezogen und langsam nach links und rechts geschwenkt bis er sich selbst auspendelt. Der Stein wird von ca. 15 Metern fallen gelassen und wird durch die Gravitation nach unten fallen und wahrscheinlich brechen. Der Stein aus dem Atlasgebirge stellt im doppelten Sinn ein Symbol dar. Einerseits ist der Atlas der erste Halswirbel, der den Kopf trägt und Bestandteil des Genicks ist und somit eines der wichtigsten Elemente unseres Stützapparates bildet. Ein Genickbruch verläuft oft tödlich oder führt zu einer totalen Lähmung der oberen und unteren Extremitäten sowie zu Beeinträchtigungen der Organfunktionen. Kommt es im übertragenen Sinne zum „Genickbruch“ des kulturellen Gedächtnisses, das hier durch den Stein verkörpert ist, ist es unmöglich aus der Erfahrung der Vergangenheit Erlerntes, durch Taten in die Zukunft zu transformieren. Wenn man die Vergangenheit auslöscht, sich nicht erinnert, kann keine Reflexion und daraus resultierende Veränderung in der Gegenwart und auch in der Zukunft stattfinden. Damit wäre der historische Pfad unterbrochen und der in Jahrtausenden kumulierte Erfahrungsschatz verloren. Darüber hinaus wurde der Name des ersten Halswirbels nach dem Griechischen Titan Atlas benannt. Atlas nimmt an der Revolte der Titanen gegen Zeus teil und wird geschlagen. Zur Bestrafung hat er fortan die beschwerliche Aufgabe den Himmel zu stützen bzw. die komplette Welt auf seinen Schultern tragen zu müssen. So hat auch das kulturelle Gedächtnis die beschwerliche Aufgabe die historische Entwicklung unserer Kulturgeschichte in sich aufzunehmen und unsere Weiterentwicklung zu stützen. This performance took place Saturday 1st of March 2014, 16h – location 15km outside of Marrakech in collaboration with the Laboratoirs OUUF, organized by Akram Haissoufi.

Anne Duk Hee Jordan geboren in Korea, lebt und arbeitet in Berlin. Sie hat an der Akademie der Künste in Berlin Weissensee studiert und setzte ihre Ausbildung mit einem Kunst- Master am Institut für Raumexperimente unter Olafur Eliasson fort. Neben ihren Soloausstellungen in Taiwan, Japan, München, Frankfurt und Berlin im Haus der Kulturen der Welt, einschließlich der Installation “Metropie” welche die Verwandlung eines Ubahnwagens in einen lebenden Garten beinhaltete um die Symbiose zwischen Meridian und Energielinien in einer Stadt hervorzuheben, war sie ebenso Teil verschiedener Gruppenausstellungen im Museum of Contemporary Art(Tokyo), dem Goethe Institut (Sao Paolo, Brasilien) und dem Reykjavik Kunstmuseum (Island).

Hobo College for Itinerant Studies (Confessions of an overworked artist)

Dieses Projekt beschäftigt sich mit den Themen der Migration, Arbeit, Kreativität, Erschöpfung und Reise, untersucht und verstärkt durch die Figur des Landstreichers: der Wanderarbeiter, der Anfang des 20sten Jahrhunderts durch Amerika gereist ist, auf Züge aufspringend, in kleinen Dörfern schlafend und immer auf der Suche nach Arbeit. Der Landstreicher ist eine komplexe Verkörperung des modernen arbeitenden Subjekts unter dem Druck von Kapital. Wie Nels Anderson in seiner frühen Studie in den 1920er Jahren darlegte; um sich mit dem Landstreicher auseinanderzusetzen „muss die Gesellschaft sich auch mit den Wirtschaftsmächten auseinandersetzen, die diese Art von Verhalten geformt hat.“ Trotzdem war die Landstreicherkultur auch ein blühender Quell anarchistischen Denkens, sozialer Organisation und politischen Protestes, welcher zu einem Ausdruck führte, der versuchte die Forderungen der Arbeit mit dem Geist der Straße zu verhandeln – der Landstreicher ist eine Figur auf der Suche nach nicht einfach Arbeit, sondern einer Form von Freiheit.

Hobo College for Itinerant Studies (Confessions of an overworked artist), 2014, ESAV Marrakech

Dieses Projekt folgt dem Landstreicher als historische Figur, welche in die Gegenwart gewandert ist. Um eine Grenze zu ziehen zwischen diesen frühen reisenden Arbeitern und dem gegenwärtigen Prekariat, und insbesondere, der kreativ Arbeitende – wie diese Figur von dem neuen kapitalistischen Geiste definiert wurde. Bezug nehmend auf die Gründung des sogenannten Hobo College (Chicago, 1908), führt dieses Projekt eine Kollektion von Objekten, Dokumenten und klangliche wie visuele Arbeiten zusammen, die einen Diskurs des Vergänglichen anregen um sich neu zu positionieren und um aufzurütteln. Das Hobo College ist ein College welches sich Wanderstudiengängen sowie Wander-Wissen verschrieben hat. In diesem Fall ist der Landstreicher ein Fahrzeug für die Vorstellung von Routen in und um kognitives Kapital, in welchem die Dummheit und das Unerfahrene, geheime Codes und Fantasien des Big Rock Candy Mountains eine Art von zentralem Unbehagen für den prekären Körper einfängt.

Brandon LaBelle ist ein Künstler, Schriftsteller und kultureller Theortiker. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit Fragen des sozialen Lebens, ausgedrückt durch Klang, Performance, Texte und Installationen. Daraus entstehen situationsbedingte und kontextuelle Projekte in öffentlichen Räumen, Handlungen von (Miss)übersetzungen und Archivierung, als auch Mikro-erzählungen des (Un)bekannten. Seine künstlerischen Werke wurden ausgestellt im Whitney Museum, NY (2012), Image Music Text, London (2011), Sonic Acts, Amsterdam (2010), A/V Festival, Newcastle (2008, 2010), Instal 10, Glasgow (2010), Museums Quartier/Tonspur, Vienna (2009), 7. Biennale do Mercosul, Porto Allegro (2009), Center for Cultural Decontamination, Belgrad (2009), Tuned City, Berlin (2008), Casa Vecina, Mexico City (2008), Fear of the Known, Kapstadt (2008), Netherlands Media Art Institute, Amsterdam (2003, 2007), Ybakatu Gallery, Curitiba, Brasilien (2003, 2006, 2009), Singuhr Gallery, Berlin (2004), und ICC, Tokyo (2000). Als versierter Schriftsteller, ist er unter anderem Autor von Diary of an Imaginary Egyptian (Errant Bodies, 2012) Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life (Continuum, 2010) und Background Noise: Perspectives on Sound Art (Continuum, 2006).

Installation view “Memories are Made of Chances and Mistakes” (2014)

Memories are made of chance and mistakes //// Marco Montiel-Soto //// 5th Marrakech Biennale 2014 from Marco Montiel-Soto on Vimeo.

Marco Montiel-Soto (1976, Maracaibo, Venezuela) studierte Fotografie und hat einen Master in Sound Studies an der Universität der Künste in Berlin. Nach ausführlichen Reisen durch Europa, ließ er sich in Berlin nieder. Seine Arbeiten wurden in diversen Ausstellungen in Südamerika, den USA und Europa ausgestellt, wie zum Beispiel in Kinderhook & Caracas, Berlin, 2013; Galería D21, Santiago de Chile, 2013; Ars Electronica, Linz, 2012; Museo de Arte Contemporáneo, Maracaibo, 2012; Museum of Latin American Art, Long Beach, 2011; Hamish Morrison Galerie, Berlin, 2011; Savvy Contemporary, Berlin, 2011; Kommunale Galerie, Berlín, 2010; Espacio Al Borde, Maracaibo, 2010; Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2009; CCCB, Barcelona, 2009; LACE Contemporary Exhibitions, Los Angeles, 2008. Es ist keine gerade Linie in seiner Arbeit zu erkennen, aber er verwendet Fotografie als Abbild einer Idee, schreibt Symphonien, kreiert Videos und konstruiert Installationen mit gefundenen Objekten.

Oshodi Stock Exchange

Aktienbörsenindex zeigt. Emeka Ogboh ist ein nigerianischer Künstler, dessen Arbeit sich weitgehend mit dem Hören auseinandersetzt. Er arbeitet hauptsächlich mit Klang und Video um die Arten zu untersuchen verschiedene Städte als kosmopolitische Räume zu verstehen, jede dotiert mit einem einzigartigen Charakter. Sein Ziel ist es Feldaufnahmen anzustellen um die Geschichte und auditive Infrastruktur von Städten, und insbesondere der Stadt, in der er wohnt; Lagos, Nigeria, zu erforschen. Der Arbeitskörper, welcher durch diese Aufnahmen entstanden ist, führte zu dem Lagos Soundscapes Projekt, welches die Megastadt durch Klang dokumentiert. Emeka ist Empfänger des DAAD 2014 Stipendiums und hat in Nigeroia, sowie international an Orten wie dem Centre for Contemporary Art, Lagos; Menil Collection, Houston; MassMOCA, Massachusetts; Shin Minatomura, Yokoha- ma; Museum of Contemporary Arts Kiasma, Helsinki; Rauternstrauch-Joset-Museum, Cologne; und dem International Contemporary Art Fair (ARCO) Madrid ausgestellt. Emeka ist der Mitbegründer des Video Art Network Lagos, und Mitglied des African Centre for Cities Projekt zu afrikanischer Stadtplanung. Außerdem ist er ein enges Mitglied des World Forum für akustische Ökologie und war Teil des Media Lab in der afrikanischen Delegation der 16. internationalen Konferenz für elektronische Kunst, 2010 (Dortmund, 2010).