Pentagram – DNA, 2014

Installation view Pentagram (2014) at ESAV Marrakech, official parallel project of the 5th Marrakech Biennale

Installation view Pentagram (2014) at ESAV Marrakech, official parallel project of the 5th Marrakech Biennale

En 2009, sous le pseudonyme de Pawlowsky, l’artiste Paolo Bottarelli a travaillé sur un projet performatif : Pentagram, une chaîne DNA gravée sur une plaque en plexiglas prend la forme d’une partition musicale accrochée au mur pour être joué par un musicien mais aussi mentalement par le spectateur.

Gaston de Pawlowsky (1874-1933) était un écrivain français, auteur de Voyage au pays de la quatrième dimension, un roman de science-fiction qui – comme Jean Clair l’a avancé – a probablement influencé Marcel Duchamp et ses recherches artistiques, précisément pour le Grand verre. Duchamp répétait sans cesse, ”Ce qui nous intéressait à ce moment c’était la 4ème dimension”.

Depuis des années, Paolo Bottarelli reconsidère ce genre de réflexions du début du XXe siècle entre art et science pour les re-questionner aujourd’hui. Comme un talentueux joueur d’échec, l’artiste est engagé dans un jeux incessant entre ses perceptions intuitives et rationnelles vers les indicibles secrets de la science et de la nature.

Du casse-tête quantum à l’expérience de “l’ami de Wigner”, des ondes de chocs aux études intersubjectives et de la conscience, l’artiste tisse toujours de poétique correspondances qui jouent à la fois avec l’imagination scientifique et artistique.

Avec Pentagram DNA, Bottarelli joue avec le flux de conscience, et – suivant un chemin fait d’associations personnelles – son pentagramme est joué par un balafon / xylophone fait-main construit avec le filet d’un sommier.

Detail of Pentagram (2014) at ESAV Marrakech, official parallel project of the 5th Marrakech Biennale

Paolo Bottarelli (né en 1975, Italie) est un artiste qui vit et travaille à Berlin. Depuis 2010, il travaille sur un long projet appelé ChessCube Project / Mind Rooms. Récemment, il a participé à Imagine Being Here Now, Momentum, la 6ème Nordic Biennal of Contemporary Art; NoN [ ], SAVVY Contemporary Berlin, KOD EPOI (Zeitgeist), Moscou; Entering the Mind’s, Beijing, Mind the Brain ! , Pisa; How To…, évènement parallèle à la 11ème biennale d’Istanbul. Parmis ses plus récents projets seul : Hypnerotomachia Universalis, Stattbad Wedding, Berlin, Autopoiesi : A game of chess against oneself, Italian Embassy in Berlin, performance dans le cadre de Berlin Art Forum, Mind ≠ Brain (about Kurt Gödelà, 91mQ, Berlin; Epifanie Matematiche, Oratorium Passionis, Basilica Sant’ Ambrogio, Milan.

Piano préparé (Piano, sac de frappe. 2014)

piano préparé, “If your are so smart, why you ain’t rich?”, Official Parallel Project of the Marrakech Biennale 2014

piano préparé, 2014, “If your are so smart, why you ain’t rich?”, Official Parallel Project of the Marrakech Biennale 2014

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Tal Isaac Hadad présente Piano Préparé. La sculpture est une évocation de recherche de procédés musicales autour des pianos préparés. Elle associe à la manière d’un ready made deux pratiques, la boxe et le piano. La sculpture est composé d’un sac de frappe suspendu dans lequel est placé un piano à queue, lui meme modifié pour projeter résonances et harmonie à chaque impact. Cette expérience kinesthésique s’inspire des jeux (Játékok) de Kurtág, le corps comme forme d’intelligence.

Tal Isaac Hadad est un artiste français. Il vit et travaille à Paris.

L’artiste est un adepte des détournements sonores, qu’il s’intéresse aux formes les plus populaires comme aux plus savantes. Son approche, qui le plus souvent, part de l’observation de la scène musicale ou encore la présence du son dans les espaces publics, peut être reliée à celle d’un ethnomusicologue.

L’artiste nourrit sa pratique par des recherches directement sur le terrain. Néanmoins, lorsqu’il infiltre un groupe social, contrairement à un chercheur, il invite ses membres à participer au projet. Il a notamment participé à la Biennale d’architecture de Venise en 2010, “Get it Louder” à Beijing en 2012, la FIAC 2012 au Grand-Palais à Paris ou encore la Biennale d’Istanbul en 2013. Après le succès de son exposition à la FIAC en 2012, Tal Isaac Hadad présente actuellement une nouvelle série de performances à partir de onze pianos modifiés. Onze couleurs se composent de onze pianos concert modifiés, le premier avec deux notes (La et Ré), le second avec trois notes (Fa, Fa#, Sol), le troisième avec quatre notes, etc. Ces onze pianos sont conçus pour s’adapter à tous les mouvements de Musica Ricercata (1951-1953) composé par György Ligeti, élaboré en fonction des onze mouvements de la Musica Ricercata écrite pour deux ou douze notes respectivement.

Melos Amoris (2009-2010)

Melos Amoris, installation view at ESAV, Marrakech Biennale 2014

Melos Amoris

Le chant des baleines est connu depuis un certain temps, notamment grâce à l’album de Roger Payne „Songs of the humpback whales“ , accueilli avec euphorie par le mouvement New Age dans les années 1970. On ne peut en dire autant du chant des souris, émises lors de la parade nuptiale, puisqu’il s’agit d’ultrasons à haute fréquence, inaudible à l’oreille humaine.

Suivant les méthodes de l’éthologie, qui vise à analyser les effets d’un chant au sein d’une même espèce, Evgenija Wassilew explore la possibilité de communiquer le chant d’une baleine à une souris. Elle choisit un extrait de l’album de Roger Payne – „Solo Whale“ –, le transpose en ultrasons et documente les réactions de la souris à l’aide d’un microphone sensible. Ces prises de son ont été par la suite rendues audibles: La souris se manifeste par un sifflement délicat qui semble ardemment répondre aux sons graves et aigus émis par la baleine.

Le terme latin „Melos“ peut signifier « lignes de chant », évoquant ainsi les spectrogrammes des chants, lisibles comme des partitions musicales. Tout en brisant les limites établies de l’ordre naturel, cette tentative de communication met en exergue la dimension romantique et utopique de la science, aux confins de l’absurde.

Lee Chichester/Evgenija Wassilew

Evgenija Wassilew est diplômée d’étude de troisième cycle à la DAAD University of the Arts de Berlin (Allemagne) en 2008 après avoir obtenu son Master à l’École nationale supérieur des Beaux-Arts de Paris (France) en 2006 et était étudiante à titre d’invité pendant 6 mois à l’UST, College of Art à Kumasi, au Ghana. Elle a exposé aux États-Unis, en Allemagne, en France, en Grèce, au Ghana, au Bénin, en Bosnie-Herzégovine ou encore en Belgique.

and who sees the mystery, 2014

À la suite du rapatriement en 2010 de la collection d’instruments traditionnels marocain de Paul Bowles de Washington à Tanger, le performer Zouheir Atbane et l’artiste sonore Gilles Aubry entreprirent une collaboration artistique autour de la réception de ces enregistrements dans le Maroc d’aujourd’hui, en relation avec les discours contemporains autour de la préservation de la culture.

Le premier résultat de ce projet est l’installation sonore And who sees the mystery qui fait suite à la résidence à Tafraout, un village où Paul Bowles a enregistré une performance musicale Ahouache en 1959.

En collaboration avec différents membres d’un ensemble musical local et d’autres habitants, les artistes vont offrir une interprétation performative du retour de ces enregistrements musicaux dans leur location d’origine, y compris la documentation des discussions, sessions d’écoute et de pratiques. L’oeuvre se concentre sur Les politiques d’invisibilité en établissant des correspondances entre Paul Bowles comme “spectateur invisible”, le voile correspondant à une stratégie de résistance contre le colonialisme par les femmes du groupe Addal et le rideau Pythagorien de la musique acousmatique française.

Gilles Aubry est un artiste sonore suisse travaillant à Berlin depuis 2002. D’abord formé comme musicien et compositeur, il obtient un master en Études du son en 2010 à l’University of the Arts  de Berlin. Sa pratique artistique se construit autour d’une approche auditive du réel nourrit par des recherches sur les aspects culturels et historiques de la production du son ainsi que sa réception. En 2011, Aubry fut artiste invité du projet Global Prayers. Les installations qui en sortirent ont été présenté à la galerie NGBK à Berlin la même année. Actuellement il effectue des recherches sur les archives de la musique traditionnelle marocaine de Paul Bowles et la notion de préservation de la culture, ainsi qu’un projet lié aux paysages sonores Bollywoodien (« Boollywood soundscape ») à Mumbai.

Zouheir Atbane, né en 1983 à Casablanca, est un danseur contemporain et artiste sonore. Il débute ses recherches artistiques par l’étude de la musique Gnawa, puis sa pratique mûrit au fil des nombreuses collaborations avec la compagnie de danse 2k_ basé à Casablanca et au contact d’autres artistes. Il travaille aujourd’hui en tant qu’artiste sonore indépendant.

“Nous sommes à l’époque du simultané, nous sommes à l’époque de la juxtaposition, à l’époque du proche et du, lointain, du côte à côte, du dispersé. Nous sommes à un moment où le monde s’éprouve, je crois, moins comme une grande vie qui se développerait à travers le temps que comme un réseau qui relie des points et qui s’entrecroise son écheveau”
Michel Foucault, “Des espaces autres, Hétérotopies”, conférence au Cercle d’études architecturales, 14 mars 1967.

Crackling Data Machine, installation view at ESAV Marrakech, Official Parallel Project Marrakech Biennale 2014

Dû aux concepts de réseaux, nous sommes également dans une époque de surveillance totale, trop-plein d’informations et d’hyper médiatisation économique.
Nous voulons confronter cette réalité avec nos absurdes expérimentations DIY et piratage artistique. Nous sommes à la recherche d’une considération d’internet comme potentiel producteur d’images et sons tout en réutilisant ses techniques.

Le son a toujours crucial pour Internet. Les données était d’ailleurs transféré via des signales sonores à l’ère des modems. Et toujours, les données sont des ondes qui nous entourent comme des champs électromagnétique ou transmis de manière rythmique sous la forme de séquences lumineuses. Nous sonifions les invisibles mélodies et rythmes des données, les rendant ainsi perceptibles.

Pour y parvenir, nous avons créer une machine actionnée par des données. Elle exécute trois tâches différentes : Premièrement, elle collecte des données du public et des réseaux sans fil de son environnement. Deuxièmement, elle imprime ses données les rendant visuelles mais aussi les convertit en sons par différents procédés. Le son est reproduit sur les structure métallique de l’installation. Troisièmement, elle a une forme et une acoustique spécifique qui lui permet d’interagir avec son environnement et le public. Sa production est orchestrée et reconstituée dans l’exposition.”  Ali Tnani et Lukas Truniger.

Video documentation of the installation at ESAV Marrakech, Official Parallel Project of Marrakech Biennale 5

Lukas Truniger est un musicien, designer et artiste sonore suisse. Née à Zurich en 1986, il est diplômé de musique à la Robert Schumann School of Music and Media à Düsseldorf et actuellement effectue des études de troisième cycle à Le Fresnoy – Studio national des arts contemporain de Tourcoing. Il travaille dans les champs de la musique live, l’installation, les films et la création de nouveaux instruments.  Fasciné par les processus de réseaux et les concepts de multi-dimensionnalisme, les codes et les circuits fait maison, les instruments amateurs, les outils utilisés à contre-emploi, ces éléments sont devenus cruciaux dans son travail.

Ses installations ont étaient montrées en Allemagne et en Tunisie. Il a participé en tant que musicien électronique et bassiste à de nombreux projets musicaux dans un  cadre expérimental, improvisé mais aussi orienté autour de la scène club, en Angleterre, France et Allemagne. Il a effectué la résidence à Paris de la Cité International des Arts (2011/2012) et la Kollef für Musik und Kunst à Montepulciano (2011) ainsi que la bourse au projet de ON-Netzwerk Neue Musik à Cologne (2013).

Ali Tnani (*1982, Tunisie) vit et travaille entre Tunis et Paris. Il est un artiste multimédia. Le plus souvent il utilise la photographie, le dessin et les installations sonores. Il est intéressé par des thèmes divers tels que les notions de vestige, de site ou encore d’erreur. Ali Tnani a exposé ses oeuvres dans des expositions individuelles à Tunis (2013), à Paris (2012) et pris part à des expositions collectives au National Museum de Carthage (2012) mais aussi à des festivals tels que City Sonic au Musée des beaux-arts de Mons. Il est diplômé de l’Institut des beaux-arts de Tunis et pris part à des workshops autour de l’art digital. Il est également partit en résidence à la Cité international des arts de Paris, Les Transcultures (Mons, Belgique) et à Villa Sebastian (Tunisie). En 2013, il obtient la bourse d’art visuels discernée par l’Arab Fund for Arts and Culture (AFAC – Liban). Une vue d’ensemble de ses oeuvres est publiée dans Musiques et Cultures Digitales #71, Digitale Afrique, 2013 et dans le catalogue d’exposition Art Tunis Paris aux éditions du musée Montparnasse en 2011.
Après une expérience multidisciplinaire dans le collectif Hiddenlines, il a depuis, produit différentes installations vidéos en collaboration avec Lukas Truniger.

Documentation vidéo d’oeuvre Cracks in a sonic Mechanism

Cracks in a sonic Mechanism // Brèches d’une Mechanique sonore from Lukas Truniger on Vimeo.

Untitled (megaphones), 2014

En approchant implicitement des problématiques urgentes telles que les effets de « La Société du Spectacle », la question des identités multiculturelles et des clashs religieux, la surproduction ou encore le gâchis des biens (de la communication aux sacs plastiques), l’artiste s’approprie et interroge les caractéristiques et outils du présent, globalisés et rhizomatiques, en somme : humains. Entre l’amusement et la consternation, son travail aux multiples facettes, toutefois cohérent, confronte le spectateur à un spectacle permanent autour de la mince séparation (ou l’irréductible coexistence) entre l’intelligence et le chaos.

Pour ce projet s’est inspiré  par l’univers du marchandage et des commerces de rue,  l’atmosphère sonore des marchés de Dakar. Un objet en particulier a retenu son attention : le mégaphone. Cet objet fait partie intégrante de la vie des vendeurs Dakarois, l’utilisant pour enregistrer avec leurs voix leurs produits ainsi que leurs prix. Cet objet électronique fabriqué en Chine représente les conséquences du flux migratoire des citoyens chinois au Sénégal sous toutes ces façettes, bonnes ou mauvaises, Enrichissantes et intrusives.

Jouteya , 2012

L’accumulation des vidéos et la superposition des sons créent un vacarme continu, à l’image de ceux que l’on peut retrouver dans les rues et souks du Maroc. On peut l’envisager comme une critique des dogmes de la surconsommation qui amène les gens à toujours acheter plus d’objets sans utilités. Outils, produits, accessoires franchement superflus; démonstrations vidéo produites par des chaines DIY montrant des images de travail oppressif, où tout semblant de raison semble avoir disparu.

Younes Baba-Ali (1986 à Oujda) travaille et vit entre Bruxelles et Casablanca. Après avoir été diplômé de l’école des arts décoratifs de Strasbourg en 2008 et de l’Ecole Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence en 2011, il a participé à plusieurs expositions et biennales internationales. Entre autres, la Biennale de Marrakech ‘AIM’, la Biennale de Skopje BJCEM en Macédoine, Sketch Gallery à Londres ; « FIAV 09 », Catane, Sicile, ‘Brick & Mortar International Video Art Festival », Greenfield, États-Unis, Espacios Menos Uno, Madrid, Espagne, Loop Video Art Festival à Barcelone en Espagne ; Interference, Breda au Pays-Bas, CEAAC, à Strasbourg, France, In-Sonora Sound Art Festival à Madrid ainsi qu’à La Galerie du Syndicat Potentiel à Strasbourg.

Les séries de Duk Hee Jordan explorent et critiquent les thématiques de la mémoire et la culpabilité.
La culpabilité, qu’elle soit vécu ou imaginaire, est toujours mutuellement reliée à la culture et la mémoire. L’une de ses récentes installations de pierres prend racine à Kandahar (Afghanistan). Elles se placent en témoin du conflit Afghan. Les pierres sont originaires de KAF (Aérodrome de Kandahar), la base militaire des États-Unis en Afghanistan.

Anne Duk Hee Jordan, Stones from Kandahar – TLS, 2013, Mixed Media, 147 x 55 x 10 cm

KAF n’est pas l’Afghanistan; il est considéré comme un territoire États-unien, le dernier refuge où la bataille finale des talibans s’est déroulé. Ces pierres portent le témoignage des conflits passés et présents. Elles racontent les atrocités de la guerre et portent les marques du combat. Les pierres dévoilent d’innombrables histoires passés, transportées de manière critiques jusqu’aux visiteurs et donc dans le présent. En tant que dernières traces restantes, ces trouvailles représentent quelque chose qui fût et qui est aujourd’hui totalement perdu. L’action mécanique de l’oeuvre renforce ces associations : les pierres se mélangent au sein d’une chorégraphie mécanique et asymétrique, produisant du sable et du son. Ce sable devient une métaphore qui amène à l’image symbolique d’un lent processus.

Obsidian, 2014

Obsidian (2014), Installation view at ESAV, Official Parallel Project Marrakech Biennale 5

La nouvelle oeuvre produite par Anne Duk Hee Jordan présente une obsidienne, roche volcanique caractérisée par son noir intense et vitreux. Lors d’une lente et automatique chorégraphie, un crystal quartz translucide rape la surface de l’obsidienne. Dans plusieurs centaines d’années, le quartz aura polit l’obsidienne jusqu’à en faire un miroir. Le mouvement lascif des deux pierres aux couleurs contrastés est d’une étrange poésie muette.

Une nouvelle fois, l’origine de l’obsidienne est révélatrice de significations plus larges correspondant à des contextes précis. Anne Duk Hee Jordan à collecté la pierre le long des montagnes islandaises après l’irruption du volcan Eyjafjoll en 2010. Ce désastre, qui a immobilisé le traffic aérien global, a était ressentit dans toutes les couches de la société, de conséquences économique à celles sociales.  Cette catastrophe inattendu s’amalgame avec la crise économique mondiale qui vit l’effondrement des banques de l’île et autres pays, un évènement particulièrement dévastateur pour l’Islande et le reste de l’Europe. Cependant, avec le temps ce qui s’est passé sera révolu, seuls les souvenirs et fragments brisés de l’obsidienne restent.

Avec sa performance “ATLAS” Duk Hee Jordan va plus loin dans ces significations symboliques intrinsèquement liées aux pierres, leurs origines géographiques et mythes diffus. Les ruines de plusieurs anciennes civilisations – de Stonehenge, des îles de Pâques aux pyramides – montrent qu’ils utilisaient d’énormes pierres pour construire leurs monuments. On pourrait se demander pourquoi utiliser des pierres d’une taille et d’un poids aussi colossal quand ces même structures auraient pu être construite à moindre effort avec de plus petits morceaux ?

Il semblerait que la volonté de réaliser simultanément des mémoriaux à la fois historiques et éternels en constitue la réponse. Nous savons qu’ils avaient des méthodes pour déplacer ces pierres massives qui rendaient la tâche aussi aisée que de lever des briques d’un kilo. Quelques chercheurs ont même postulé que nos ancêtres étaient passés maîtres dans l’art de la lévitation, grâce à des procédés soniques ou d’autres obscures méthodes qui leur permettaient de défier et manipuler les lois de la gravité.

Lors de sa convaincante performance narrative, une pierre massive (1,5m x 1,5m) des montagnes Atlas est levée au moyen d’une grue et pivote lentement de gauche à droite jusqu’à ce qu’elle oscille d’elle-même. Ensuite elle est lâché à approximativement 15 mètres de haut et se brise en une myriade de morceaux.

“Ainsi, j’essaye de créer une synthèse au travers ma performance entre de vieilles mythologies et leurs représentations grâce à une forme technique moderne – la forme étant la grue et la pierre représente les mythologies historiques de la mémoire culturelle.

Les pierres originaires des montagnes Atlas reflètent ce duel symbolique. D’un côté l’Atlas est la première vertèbre du cou, qui porte la tête, formant par conséquent l’un des éléments les plus crucial de notre structure. Un cou brisé est souvent fatal et peut entraîner la paralysie totale des membres supérieures et inférieures, mais aussi détériorer les organes vitaux. Si l’on considère le “cou brisé” de manière figurative selon la mémoire culturelle comme incarnée par cette pierre, il est impossible de se servir des expériences passés pour agir dans le futur. Si l’on supprime les expériences du passé en effaçant toute mémoire, alors aucune réflexion ni changement, dans le présent comme dans le futur, ne peuvent avoir lieu. Par conséquent l’histoire serait interrompu et des richesses attachés à l’expérience culturelle accumulées pendant des milliers d’années seront irrévocablement perdus. Les pierres originaires des montagnes Atlas reflètent un duel symbolique. La menace d’un cou brisé culturel est délicatement équilibrée par un autre mythe historique, si l’on se réfère à la dénomination des pierres d’après le Titan grec Atlas. Atlas a participé à la révolte des Titans contre Zeus et fut vaincu. Comme punition, il fut condamné à la lourde tâche de porter le ciel, supporter l’immensité du monde sur ses épaules. Alors, continuant l’analogie, la mémoire culturelle également, a la lourde tâche d’absorber et diffuser le développement historique de notre histoire culturelle, non seulement pour elle-même, mais aussi pour les futures civilisations qui regardent vers le passé pour trouver la vérité.  Le futur de la civilisation dépend probablement de notre conscience envers les propriétés intellectuelles en tant que richesses qui forgent de nouveaux chemins pour le futur.”

 La performance aura lieu le Samedi 1er mars 2014, 16h  – situé à 15km hors de Marrakech, en collaboration avec Les Laboratoires OUF, organisé par Akram Haissoufi.

ATLAS, Marrakech 2014 from anne duk hee jordan on Vimeo.

Anne Duk Hee Jordan est née en Corée et vit et travaille à Berlin. Elle a étudié à l’Académie des Arts de Berlin Weissensee, puis a continué avec un Master d’art plastiques à l’Institut für Raumexperimente supervisé par Olafur Eliasson à Berlin. Elle a eu des expositions individuelles à Taiwan, au Japon, à Munich, Francfort et Berlin, tel que “Metrotopie” à Haus der Kulturen Welt (HKW, 2011). Elle a également participé à des expositions collectives, notamment au Museum of Contemporary Modern Art de Tokyo, the Goethe Institute (Sao Paulo), et le Reykjavik Art Museum.

Hobo College for Itinerant Studies (Confessions of an overworked artist), 2014

Le projet se construit autour des thématiques de la migration, du travail, de la créativité, de l’épuisement et du voyage au travers la figure du vagabond : le travailleur migrant qui traverse l’Amérique au début du Xxe siècle, sautant dans les trains, couchant hors de la ville, à la recherche de travail. Le vagabond est l’incarnation complexe du travailleur moderne sous la pression du capital. Comme le comprend dès les années 1920 Nels Anderson, pour gérer le vagabond, « la société doit s’occuper des forces économiques qui ont formé son comportement ». Aussi, la culture du vagabondage était à la source de la pensée anarchiste, l’organisation sociale et les protestations politiques, conduisant à des tentatives de négociation entre les exigences de travail et l’esprit de la route – le vagabond est une figure à la recherche de liberté plutôt que de travail facile.

Hobo College for Itinerant Studies (Confessions of an overworked artist), 2014, ESAV Marrakech

Le projet suit donc le vagabond comme une figure historique toujours présente aujourd’hui, tissant un lien entre ces premiers travailleurs-errants et les contemporains du ”precariat”, et en particulier le « créatif » – figure définit par le nouvel esprit capitaliste. Partant de la fondation de ce qui est connu sous le nom de « Hobo College » (L’université des vagabonds) (Chicago, 1908), le projet rassemble une collection d’objets, de documents, et d’œuvres audio et visuel qui tendent à réfléchir un discours autour de ce qui est passagé, transitoire : une université consacrée aux études itinérantes et donc aussi la notion de savoir itinérant. Ici, le vagabond nous permet d’imaginer les routes autour du capital cognitif, où la stupidité et l’incompétence, les codes et fantaisies secrets de Big Rock Candy Mountain peuvent saisir le malaise du corps précaire.

Brandon LaBelle est un artiste, écrivain et théoricien. Il utilise à la fois le son, la performance, le texte et les constructions sur le terrain pour élaborer des œuvres qui questionnent la vie sociale. Il en résulte des projets contextuels et situationnels dans l’espace public, actes de traduction (ou contresens) et d’archivage, ou encore des micro-narrations du commun (ou de l’extraordinaire).

Son travail a été présenté au Whitney Museum de New York en 2012, Image Music Text à Londres (2011), Sonic Arts, Amsterdam ( 2010), A/V Festival, Newcastle (2008, 2010), Instal 10 (Glasgow, 2010), Museums Quartier/Tonspur, Vienne ( 2009), 7e Biennale de Mercosul, Porto Allegro, (2009), Center for Cultural Decontamination à Belgrade ( 2009), Tuned City, Berlin ( 2008), Casa Vecine, Mexico City ( 2008), Fear of the Known, le Cap, (2008), Netherlands Media Art Institute, Amsterdam ( 2003, 2007), Ybakatu Gallery, Curitiba ( 2003, 2006, 2009), Singhur Gallery, Berlin (2004), et ICC, Tokyo (2000). Il est également un écrivain prolifique, il est l’auteur entre autres, de Diary of an Imaginary Egyptians (Errant Bodies, 2012), Acoustic Territories : Sound Culture and Everyday Life (Continuum, 2010) et Background Noise : Perspectives on Sound Art (Continuum 2006).

Memories are Made of Chance and Mistakes

Archaeology of a journey in Morocco, 2014

“La première fois que je suis venu au Maroc, J’ai pris le plus lent ferry du monde à Algeciras et suis arrivé donc très tard à Tanger. Deux gentlemans, Mohammed et Mustafa, m’ont proposé de devenir mes guides de la ville. J’ai accepté, ce moment fut le début du cauchemar”. Marco Montiel-Soto

“Je me suis dit que tout irait bien. Mais à partir du moment où j’ai retiré l’aiguille de ma veine je savais que tout n’allait pas bien. Je ressentis comme une douce explosion dans mon coeur. La tête de Pat devint noire sur les contours, la couleur noire commençait à recouvrir tout son visage. J’ai pu sentir mes yeux se retourner dans leurs orbites.” William S. Burroughs - Junky. 

“Ils m’ont fait marcher dans l’obscurité, très profond dans la Medina jusqu’à un hotel vide puis m’ont proposé toute sortes d’étranges objets. Quelque chose de bizarre était dans le thé, les images, les rêves et les souvenirs perdues, je me souviens avoir été perplexe, me demandant pourquoi deux mouches essayaient de voler mon passeport, je ne parviens pas à m’en souvenir avec clarté mais j’ai trouvé le moyen de m’échapper dans une autre ville, ensuite quelqu’un m’a suivi pendant une semaine. Après cette première impression du Maroc, je suis revenu 4 fois de plus” Marco Montiel-Soto

Pour ce projet d’exposition Marco Montiel-Soto propose une installation à comprendre comme une carte du Maroc composée de photographies, tickets de bus, pierres, argents, espèces biologiques, amulettes, papiers, flûtes, tambours, notes et sable du désert. Le visiteur devient alors lui-même l’explorateur du voyage de l’artiste. La carte se comprend comme un guide archéologique des cinq voyages de l’artiste au Maroc. Elle comporte à la fois du son, des objets trouvés, des instruments de musique marocains, des photographies et des vidéos. Ces vidéos ont été enregistré sur la route, sur la plage, dans le désert, dans la ville, les montagnes Rif, la vallée Drâa, Altas, Erg Chebbi, des oasis avec des serpents, des singes, des chameaux et des ânes. Lors de sa visite, le spectateur est entouré de voix et de sons sortant de quatre mégaphones. Son installation explore les intersections entre les territoires politiques et poétiques, la patrie et son héritage précaire, l’exile et l’itinérance, l’exclusion et l’isolation, du pain et des jeux.

La voix raconte l’histoire du voyage dans différentes directions et de plusieurs villes, langages, souvenirs, conversations, prières, conteurs, terrains d’enregistrements, batteries et flutes.

Le long de ces souvenirs, les visiteurs expérimentent un voyage diffus et disséqué, métaphore du mouvement continu entre le personnel et le social, la paranoia, où les vrais et les faux souvenirs circulent et légitime le voyage.

Installation view “Memories are Made of Chances and Mistakes” (2014)

Memories are made of chance and mistakes //// Marco Montiel-Soto //// 5th Marrakech Biennale 2014 from Marco Montiel-Soto on Vimeo.

Marco Montiel-Soto (*1976, Maracaibo, Venezuela) a étudié la photographie et obtenu un Master en études sonores à l’Universität der Kunste de Berlin. Après de longs voyages à travers l’Europe, il décide de s’installer à Berlin. Son travail a été exposé dans de nombreuses expositions en Amérique du Sud, aux États-Unis et en Europe come Kinderhook & Caracas, Berlin, 2013; Galeria D21, SAntiago de Chile, 2013; Ars Electronica, Linz, 2012; Museo de Arte Contemporaneo, Maracaibo, 2012; Museum of Latin American art, Long Beach, 2011; Hamish Morrison Galerie, Berlin, 2011; SAVVY Contemporary, Berlin, 2011; Kommunale Galerie, Berlin, 2010; Espacio Al Borde, Maracaibo, 2010; Haus der Kulturen Welt, Berlin, 2009; CCCB, Barcelona, 2009; LACE Contemporary Exhibitions, Los Angeles, 2008. Sa pratique est extrêmement diverse, il utilise la photographie comme impression papier d’une idée, écrit des symphonies avec des diapositives, des vidéos et installations faîtes d’objets trouvés.

Oshodi Stock Exchange, 2014.

L’oeuvre combine des sons, de la musique expérimentale et un index des objets vendus par les marchands ambulants des rues de Lagos. L’installation explore l’économie non-officielle au Lagos comme économie parallèle gouvernée par ses propres dynamiques et systèmes internes, souvent appelé système D. Pour résumer, ces pratiques incluent : une importante adresse dans la rue pour s’y frayer un chemin et survivre, un service de distribution qui implique des clients locaux, esquiver les agents de l’état dont les sphères d’influence couvrent aussi le secteur non-officiel, coexister en concurrence avec les rivaux, trouver un équilibre entre le profit et la perte et avoir un esprit résistant pour subsister dans ce tohu-bohu. Emeka Ogboh s’intéresse a une sous-section de l’économie alternative mis en place par des marchands ambulants et des vendeurs de rue éparpillés partout dans les rues et parcs de Lagos.

Le son de l’installation se concentre sur les voix et bruits produits par ces marchands ambulants pour attirer de potentiels clients. On reconnaît les marchands et leurs marchandises. Ces bruits seront enregistrés et utilisés pour créer une composition musicale en collaboration avec le compositeur basé à Berlin Kristian Kowatsch, à la fois minimale et organique.

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L’oeuvre est une extension du paysage sonore de Lagos, mais est aussi en lien avec les compositions de Julius Eastman. D’après Eastman, chaque nouvelle section d’une œuvre contient en elle, toutes les informations des sections précédentes, bien que parfois « l’information est minimisée à un taux progressif et logique ».

Des panneaux LED montreront des données à la fois fictionnelles et non-fictionnelles des marchands ambulants des rues de Lagos. L’idée est de créer une représentation utopique du secteur alternatif par sa présentation à la manière des panneaux d’affichage que l’on utilise dans les places boursières.

Emeka Ogboh travaille principalement avec les sons pour appréhender les villes en tant qu’espaces cosmopolites avec leurs singularités. Il enregistre directement sur le terrain pour explorer l’histoire et l’infrastructure auditive des villes, en particulier Lagos, la ville où il vit. Les oeuvres produites autour de ces enregistrements sonores font partis du Lagos soundscapes project, qui documente la mégalopole au travers ses sons.

Emeka reçu la bourse DAAD en 2013. Il a exposé son travail internationalement, entre autres au Nigeria mais aussi au Centre for contemporary Art de Lagos, la Menil Collection, (Houston), MassMOCA (Massachusetts), Shin Minatomura (Yokohama), Musem of Contemporary Art Kiasma, (Helsinki), Rauternstraucht-Joset-Museum, (Cologne), Museum of Contemporary Arts (Roskilde) et à la foire d’art contemporain de Madrid (ARCO). Emeka est également le co-fondateur du Video Art Network au Lagos, un membre du African Centre for Cities project sur l’urbanisme africain et le collectif international Urban Dialogues. Il est aussi membre affilié du forum mondial pour l’écologie acoustique, et prit part au Media Lab à la délégation africaine pour le 16e symposium international sur l’art électronique, ISEARHUR 2010 (Dortmund, Allemagne).